En el principio fue la acción

Robert Whitman (Nueva York, 1935) estudió literatura en la Rutgers University e historia del arte en la Universidad de Columbia durante la década de los cincuenta. En esos años, junto a los artistas Jim Dine, Red Grooms, Claes Oldenburg creó la galería Reuben Gallery, espacio dedicado únicamente a la performance. Interesados más por el proceso que por la resolución, negando el texto, el espacio y la audiencia, así como la repetición de la experiencia, el conjunto de sus acciones configuraron una nueva disciplina artística esencial para entender el devenir del arte en el siglo XX.

Las performances realizadas por Whitman en los sesenta, como American Moon y Prune Flat estabas concebidas como relatos y descripciones veraces de lo real para, al contrario que en las acciones de sus compañeros, ser representadas en más de una ocasión. La estructura del rito, la conversión simbólica de los objetos cotidianos en imágenes fantásticas resuelta a través de un lenguaje onírico, el atavismo, junto con la influencia del cine mudo–sobre todo por Georges Méliès, Buster Keaton y Joseph Cornell– le llevó a la inclusión de la proyección en sus performances donde, superponía películas, diapositivas y sombras, fragmentadas y disueltas, para resaltar la fina sutura que separa lo corriente de lo insólito.

En la evolución de Whitman a finales de los sesenta, momento en el que abandonó las performances, tuvo un papel esencial su convicción –ampliamente compartida en esa época– de la posibilidad de unión entre el arte y la tecnología. Esta creencia impulsó la asociación Experiments in Art and Tecnology, fundada en septiembre de 1966 por el propio Whitman, el artista Robert Rauschenberg y los científicos Fred Waldhauer y Billy Klüver. Entre las instalaciones de esos años, la exposición que nos presenta el MACBA, muestra Solid Red Line en la que una luz penetrante traza un plano horizontal a lo largo de la sala y luego retrocede hasta disolverse. Su actividad más espectacular consistió en un insólito pabellón encargado por Pepsi-Cola para la Exposición Universal de 1970 en Osaka, para el que Whitman diseñó una enorme cúpula esférica de espejos.

En 1976 se realizó una retrospectiva de las performances del artista neoyorquino organizada por la Dia Art Foundation. La obra Playback que da título a la exposición, presentó entonces, tras varias transformaciones, su forma definitiva: un octágono cuyos lados están formados por cuatro pantallas en las que se proyectan imágenes cinematográficas, que se alternan con cuatro espejos. Los espectadores se reflejan entre imágenes bellas, pero seductoramente perversas: el tráfico deslizándose con lentitud hacia atrás por una calle, un pimiento que arde incandescente sin desintegrarse, luces resplandecientes desenterradas del suelo y cerillas que queman milagrosamente en el agua.

Realizada en 1974-1975, justo antes de su retrospectiva, la obra Dante Drawing es una de las más relevantes de la muestra. Whitman concebió las hojas sueltas que la componen como objetos tridimensionales, que jugaban con las transparencias de los densos dibujos a grafito realizados en ambas caras. Con una iconografía de motivos elementales, emparentados con lo sublime de los románticos y, en la misma medida, con las visiones del arte marginal, esta obra retoma la persistente fascinación de Whitman por lo especulativo, lo misterioso y lo maravilloso. La gradual y, sin embargo, tenue aparición y desaparición de estas formas se convierte en una analogía de la dificultad que afronta Dante para recordar su experiencia de la "pura visión en el paraíso".

La retrospectiva sobre Robert Whitman ha sido producida por la Dia Art Foundation de Nueva York en colaboración con el propio museo barcelonés. La selección de obras mostradas por el artista dan buena cuenta de su extensa trayectoria artística, trayectoria marcada por las prácticas multidisciplinares que irrumpieron en la escena neoyorkina en los años sesenta y setenta como el happening, la performance, o el movimiento Fluxus.